Столько работ написано на тему пересечения моды и искусства. Почему ты решила взяться за это?

Я изучала искусство и ее историю, включая арт-рынок. Будучи преподавателем FIT, я еще больше находила пересечения с бизнесом моды. Обе стороны настолько преобразились, что границы между ними стали совсем размытыми. Было много написано о вдохновении дизайнеров одежды искусством — я об этом упоминаю в книге во вступлении, возвращаясь в 19-й век. Сальвадор Дали сотрудничает с Эльзой Скиапарелли, Yves Saint Laurent, делает платья а-ля "Мондриан"... Эти два поля завязаны на визуальном, поэтому в их слиянии есть смысл. Но я также рассматривала бизнес аспект их взаимодействия. Обе стороны открыли для себя взаимовыгодный путь к заработку. От коллабораций из разряда "мода x искусство" до брендов, которые открывают музеи. Даже пространство некоторых магазинов сделаны как экспозиция. Обе стороны заходят в русло одного и того же феномена

Мода в лучшем случае находится между искусством и капиталом. "Только как нравственный субъект я смогу свободно выражать эстетические суждения". Может ли в этом случае мода быть искусством? Она не свободна от интереса. Значит, мода — это что-то еще?

Есть примеры, где мода достигает уровня искусства в некотором смысле. По-хорошему искусство должно быть самоцелью. Но творения покупаются и продаются. Искусство сейчас больше стало чувствовать как может заработать. Мода чисто коммерция в отличии от художественных творений — это не совсем правда. Быть художником — другое, нежели дизайнером большого модного дома. Во втором случае тебе необходимо постоянно создавать много коллекций за год. Если ты известный художник, можешь за тот же период нарисовать несколько картин, что нормально. Но всевозможные арт-маркеты стали сегодня более частым явлением — это также показатель, что сторона искусства стала больше ощущать рынок. Но есть и примеры дизайнеров, которые следовали словарю артистизма. Те же Мартин Маржела, Comme des Garcons, Хуссейн Чалаян... Да и сейчас есть те, кто превзошел коммерческий интерес, выпуская вещи, у которых нет маркетинговых и продажных целей.

Есть такое понятие в уличном искусстве как городские интервенции. Это своего рода взлом урбанистического пространства и его переиначивание, попытка донести социальный посыл или же выражение некоторого абсурда. Например, художник Хармен де Хуп превратил линии парковки в баскетбольную площадку. Это же вряд ли продашь.

У определенного искусства есть иная ориентация, несмотря на растущий арт-рынок. Люди все еще создают что-то для отражения внутреннего, а не для продажи. К тому же не всегда можно продать что–то не заключенное в объект — например, какой-нибудь арт-перформанс. В моде некоторые авангардные подиумные вещи никогда не появятся в магазинах. Они создаются ради какого-то высказывания, что может делать бренд в глазах покупателей более желанным, престижным, ассоциируюсь с искусством. Порой некоммерческие и альтернативные художества делаются для придания соответствующего имиджа и продажи уже других вещей. Сложно купить арт-перформанс, но возможно приобрести его документацию в виде фото или чего-то еще. Например, ты можешь купить снимки Марины Абрамович, изображющие ее творчество. Но, будучи художественным самовыражением, теряет ли свой особый статус искусство, обращаясь к моде?

В твоей книге немало посвящено поп-культуре. Также я нашел у тебя цитаты Теодора Адорно. Он еще писал: "Популярная культура – это не только плохое искусство, но и вредное искусство, поскольку оно преграждает путь к истинной свободе". Можешь ли ты в контексте моды порассуждать на этот счет?

Любая культура может стать всепроникающей и деспотичной. Например, та же мода, которую видишь везде, включая вездесущую рекламу и социальные сети. Тирания поп-культуры может управлять в случаях, когда появляется давление в необходимости приспосабливаться. Моя же книга повествует об искусстве как феномене, который все больше перекрывает мода. Это очень опасно, когда коммерческий интерес становится основной целью культуры. Надеюсь, что моя книга в некоторой степени осведомит художников и дизайнеров об этом. Порой мы видим очередную коллаборацию формата "искусство x мода". С одной стороны идет обмен аудиторией, больше людей узнают о художнике, он зарабатывает деньги. Но с другой — у такого действия есть свои последствия. Мы либо игнорируем это, либо даже не замечаем. Коммерческая часть настолько въелась в процесс создания, что суть искусства теряет свое значение, и "творцы" не видят другого пути.

Ты преимущественно пишешь о пересечении моды и искусства. Первая сфера неотделима от отсылок и аллюзий. Может ли мода быть более самодостаточной и ссылаться сама на себя?

Это стало возможно после преодоления модой определенного пути — например, обращение к какой-то эпохе, архивам. Искусство занимается аналогичным. Модернизм двигался вперед, рождая еще больше абстракции. Сегодня многие преимущественно совмещают разные вещи, заглядывая в прошлое. Это реальность постмодернизма. С интернетом наш доступ ко всему расширился.

Интернет такая ловушка. Ты думаешь, что там есть все, он дарит тебе опыт. Но, например, идешь в магазин музыкальных пластинок, где не полагаешься на алгоритмы рекомендаций стриминговых сервисов. Будто там больше спонтанности, которая приводит к неожиданным открытиям. Это не тот алгоритм выдачи…

Очень согласна! Говоря о свободе, алгоритмы еще больше редуцируют свободу действий. В них нет человеческого несовершенства. Тебе выдает то, что должно понравится, основываясь на средней статистике. В этом нет очарования хаоса винилового магазина, в котором можно нарыть что-то совсем для себя непривычное.

"Обычному" объекту можно придать символичность, представив его рядом с чем-то уже имеющим такую ауру. Например, футболки с изображением известных художеств. Ты считаешь такой подход ленивым?

Это довольно легкий путь наделения "обычного объекта" визуальным интересом. В нашей культуре в лучшем случае у художников есть особый статус. Искусство — это нечто серьезное, интеллектуальное, престижное, более креативное, нежели другие дисциплины… Коллаборация с художником превозносит бренд. Есть примеры взаимного креативного обмена, что мне также хотелось отразить в книге. Сегодня совместных работ "искусство x бренд" стало очень много. Непонятно, где нужно провести границу. Дома мод, производители часов, компании воды в бутылках… — все хотят добавить себе репутации искусства.

Порой кажется, что "спектакль", который разыгрывают искусство и мода не несет в себе ничего кроме заработка…

Взять к примеру LVMH. Это огромнейшая компания, которая превратилась в такого гиганта очень быстро. Бернар Арно даже стал самым богатым человеком в мире. Но может ли конгломерат расти дальше при таком темпе? Возникают некоторые потолки. Однако компаниям необходимо удовлетворять акционеров, продолжая стремительный финансовый рост. Если же ты бренд, продающий сумки, парфюм и одежду ready-to-wear, упираешься в тупик. Но ты можешь быть больше, чем модный бренд — в этом случае появляется новая перспектива роста. Компании сегодня хотят быть культурными импресарио — мода, искусство, знаменитости, спорт… Поэтому Фаррелл Уильямс стал креативным директором Louis Vuitton. В будущем нас ждет больше подобного.

Когда ты хочешь быть всем и для каждого, ты становишься ничем в плохом смысле…

Это правда. В теории компании хотят быть культурно-актуальными, добавляя в свои охваты всевозможные развлечения, музыку и т.д. В книге я упоминаю, что даже модные магазины хотят превратиться в нечто более оригинальное. Они открывают в своем пространстве музей, кафе или что-то еще, забывая о своей основной изначальной деятельности. А куда подевался магазин одежды?

В книге ты рассуждаешь на тему массового потребления. "В эпоху больших скоростей художник должен думать медленно". В рамках сегодняшней индустрии моды эта фраза совсем не уместна — особенно в контексте больших конгломератов.

Когда искусство перенимает темп моды, оно ей и становится. Есть же работы, которые очень ориентированы на тренды. В этом кроется опасность. Ты находишься под давлением "быть актуальным", стараясь угнаться за ритмом. Это препятствует созданию настоящего искусства и прорыву. Некоторые художники, работы которых сейчас высоко ценятся на рынке, в годы жизни особо не зарабатывали. Они умерли без широкого признания. А, например, у Джеффа Кунса и Марии Абрамович статус знаменитостей. Я задействовала Уорхола в названии своей книге, потому что он открыл двери больших коммерческих возможностей другим художникам. Он причастен к созданию индустрии, которую мы сейчас имеем.